Представим, команда аниматоров спрашивает у режиссера проекта, как им анимировать движение персонажа. Вы бы могли подумать, что режиссеру нужно рассказать про сохранение форм или подготовку к основному действию. Но использование подобных принципов и так предполагается в анимации, и нет необходимости объяснять аниматорам базу, которую они уже применяют в работе.

Поэтому режиссер должен решить, какой именно характер анимации будет у проекта: нужно ли размытие форм, для более динамичных движений персонажа, или аниматоры будут прорисовывать все промежуточные кадры, чтобы анимация была реалистичной и супер плавной?

Правила

Чтобы не ломать голову над тем, как будет анимироваться каждый предмет в проекте, нужно придумать общие правила работы над анимацией. Насколько их будет много или мало – зависит от режиссера, визуального стиля проекта и времени, которое есть перед началом создания мультсериала.

К примеру: во время боя мы сильно размазываем движения героев и оружия в их руках, чтобы усилить экшен и облегчить работу аниматорам при анимации ударов.

Заметьте, что кроме правила, желательно указать и то, зачем оно нам нужно. Так аниматоры поймут нашу цель, и, возможно, предложат более удачное решение.

Правила нужны, чтобы:

Объяснить аниматорам, как именно они должны анимировать;
Создать допущения, которые аниматоры смогут использовать для облегчения и ускорения работы;
Сохранить общий стиль анимации, даже если над ним работают несколько команд.

Характер движений

Базово можно продумать общий характер движений персонажей и предметов вокруг.

Это может быть реалистичная анимация, где персонажи анатомически правдоподобны, движения плавные за счёт большого числа промежуточных кадров, а внимание уделяется даже мелким деталям, как в американском (диснеевском) стиле анимации.Пример: в мультфильме «Король Лев» видны плавная арка движения при прыжке Шрама и детальная анимация мимики его лица.

Или это могут быть утрированные движения, как в мультфильмах про Астерикса и Обеликса, где стиль персонажей (крупные, объединенные формы) позволяет так анимировать.

Динамика кадра

Кадры в проекте могут быть динамичными и статичными. Это зависит от режиссерского видения и того, какие эмоции и атмосферу должен вызывать проект.

Например, в анимации может быть допустима полная статика в кадре: персонаж не двигается, даже не дышит, окружение не меняется. Такие кадры можно увидеть в работах Хаяо Миядзаки, когда нужно передать напряжение в сцене.

Или используется приём: полная статика основного тела + вторичная анимация (волосы, одежда, мелкие элементы), как в серии “Зима Блю” Аластера Рейнольдса из “Любовь, смерть и роботы”, где этим приёмом подчеркивается крутость персонажей.

В придачу, режиссер может решить применять статичные фоны, чтобы сосредоточить внимание зрителя на движениях персонажа, или использовать полную анимацию – прием, когда будут двигаться и персонажи, и фон, чтобы добавить в сцену экшен.

Экшен и эффекты

Экшен в сцене можно передать и другими путями.

Одним из вариантов может стать пропуск промежуточных кадров между ключевыми позами. В итоге получаются небольшие “рывки” в движениях персонажа и теряется плавность, но анимация приобретает резкость и ощущение удара. Такой приём хорошо работает в боевых сценах, где важна энергия действия.

Другой выбор — построить экшен через эффекты. Размытия, спидлайны, деформация фона и наложения могут хорошо передавать скорость и силу.

Пример для обоих приемов: “Человек-паук: Через вселенные”.

Детализация и работа с планами

Анимация в проекте может зависеть и от плана кадра.

На средних и крупных планах акцент чаще делается на микродвижениях: жестах, мимике, взгляде. Это позволяет передавать внутреннее состояние персонажа без активного действия. Такой подход хорошо проработан в “Аркейне”.

А на дальних планах детализация может снижаться. Движения будут обобщенными, чтобы не отвлекать зрителя от главного действия на экране.